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lundi 23 décembre 2019

audio: François Noudelmann, Penser avec les oreilles




L'Heure bleue par Laure Adler, 16 septembre 2019


François Noudelmann
Penser avec les oreilles 
Max Milo
Voix libres
2019


Présentation de l'éditeur
La pensée fait du bruit, non seulement lorsqu'elle parle, mais aussi dans ses textes. La voix, le ton, l'accent, l'intensité, le volume font partie des idées. Une pensée doit s'écouter, déclarait Nietzsche qui se vantait d'avoir les oreilles les plus petites mais les meilleures de la philosophie. L'attention récente portée aux voix de philosophes, grâce aux enregistrements audio-visuels de penseurs tels que Arendt, Sartre, Beauvoir, Deleuze, Lacan, Foucault, Barthes, Kristeva... a influencé la façon de les lire et de les comprendre. A l'oral, mais aussi à l'écrit, des souffles, des vitesses, des rythmes particuliers inspirent le développement de leur pensée. Parfois ce sont des accents régionaux qu'un philosophe exprime, comme le bourguignon Bachelard, ou qu'il veut réprimer, comme Derrida, honteux de son accent juif algérien, ou encore le béarnais Bourdieu... Ausculter les textes, c'est écouter aussi les silences, les sons inarticulés - hurlements ou murmures - qui se logent dans la pensée : Deleuze entendait des cris dans les concepts de Spinoza.
Et si nous écoutions les oeuvres philosophiques comme des paysages sonores ? Les sound studies se sont développées en Amérique du Nord depuis une dizaine d'années et enrichissent peu à peu l'histoire, la littérature, la sociologie, l'écologie. Cet essai propose d'en montrer la puissance pour une toute nouvelle approche de la philosophie : il observe les dispositifs acoustiques de la parole et de l'écriture philosophiques, dès l'Antiquité, lorsque Pythagore se cachait derrière un rideau pour enseigner à ses disciples, jusqu'aux théoriciens de l'écologie sonore qui montrent les enjeux politiques du son.
Apprendre à lire avec les oreilles, tel est le programme d'une nouvelle écoute qui découvre les significations inouïes de la philosophie. Et si nous enlevions les bouchons de nos oreilles pour entendre enfin le son des idées ? La pensée fait du bruit, nous l'avons oublié : de grands vacarmes ou de légers bruissements. La voix des philosophes, leurs accents, font partie de leur pensée. Même dans leurs écrits nous entendons des cris et murmures.
Depuis les dispositifs acoustiques de l'Antiquité jusqu'à l'utilisation du microphone aujourd'hui, François Noudelmann pose son stéthoscope sur la philosophie. Il étudie les milieux sonores les plus favorables à la réflexion et propose une écologie sonore de la pensée.

François Noudelmann a écrit de nombreux essais sur la littérature et la philosophie, traduits en une dizaine de langues, parmi lesquels Le Génie du mensonge (Max Milo, 2015), Les Airs de famille, une philosophie des affinités (Gallimard 2012), Le Toucher des philosophes. Sartre, Nietzsche et Barthes au piano (Gallimard, 2008), Pour en finir avec la généalogie (Léo Scheer, 2004). Il a dirigé le Collège international de philosophie et fut producteur à France-Culture pendant onze ans.
Il est aujourd'hui professeur à l'université de Paris 8 et membre de l'Institut Universitaire de France. Il enseigne régulièrement à New York University où il développe ses recherches sur les paysages sonores de la littérature et de la philosophie (Soundings and Soundscapes, Edinburgh University Press, 2018).

samedi 14 septembre 2019

audio: Claude Abromont, Guide de l'analyse musicale




Sous la couverture par Philippe Venturini, 14.09.2019
Claude Abromont
Guide de l'analyse musicale
éditions universitaires de Dijon
2019


Présentation de l'éditeur
Il est devenu aujourd’hui usuel d’associer l’approche pratique de l’analyse musicale à celle plus théorique, s’adressant ainsi simultanément aux compositeurs et aux musicologues. Depuis quelques décennies, les instrumentistes aiment approfondir l’art d’interpréter tandis que le grand public est avide de clés pour la compréhension des œuvres. 
Dans cet esprit, une cinquantaine de méthodes analytiques sont ici synthétisées. Leurs histoires et leurs géographies affichent une grande diversité. Pour chacune de ces méthodes, leurs qualités, leurs limites et leurs principaux champs d’application sont détaillés. 
Ce livre comporte une autre innovation essentielle. Si, dans la plupart des ouvrages consacrés à l’analyse, on propose quelques mesures en guise d’illustration de chaque notion, il va beaucoup plus loin et renvoie à des exemples complets sur Internet. Ceux-ci se présentent sous forme de vidéos synchronisées avec des interprétations musicales de référence. Une invitation à mettre en œuvre et à approfondir toutes les facettes de la pratique analytique.
Claude Abromont est professeur d'analyse musicale au Conservatoire de Paris et fondateur dans le même établissement de la classe de méthodologie et théories de l'analyse. Producteur à France Musique, conférencier pour la Philharmonie de Paris, il est l'auteur, avec Eugène de Montalembert, de trois Guide Fayard/Lemoine (Théorie de la musique, Formes et Genres). Il a également écrit un Polit précis du commentaire d'écoute (Fayard, 2010), un essai sur Berlioz couronné d'un prix France Musique des Musés (La Symphonie fantastique ; enquête autour d'une idée fixe, La rue musicale, 2016) et un roman (Symphonie criminelle en mi bémol, Bayard, 2013).
 



jeudi 18 avril 2019

audio: Jean-Yves Bosseur, Musique et contestation. La création contemporaine dans les années 1960



audio: Jean-Yves Bosseur, Musique et contestation. La création contemporaine dans les années 1960
La vie est un roman, par Yves Tenret, 19 mars 2019
ALIGRE FM 




Jean-Yves Bosseur
Musique et contestation
La création contemporaine dans les années 1960
Minerve
Musique ouverte 
2019


Présentation de l'éditeur
S’il est un mot qui semble approprié aux années 1960, c’est bien celui de contestation. Ainsi les divers bouleversements qui se sont opérés dans le domaine de la musique et qui reflètent assez fidèlement les grands mouvements sociaux sont-ils passés en revue dans cet ouvrage, à partir des expérimentations concrètes des groupes et des compositeurs les plus représentatifs de l’époque.
Dans le sillage des compositeurs de l’École de New York (Cage, Feldman, Wolff, Brown), des musiciens européens, tels Cornelius Cardew et Frederic Rzewski, commencent à récuser les avant-gardes établies et les institutions musicales. Gagnés par l’esprit de liberté et le désir d’émancipation qui se sont emparés de l’ensemble de la société, ils vont reconsidérer la notion d’œuvre et les rapports entre compositeurs, interprètes et auditeurs, mettant par exemple leur engagement au service des pratiques de l’improvisation et de la création collective.
C’est alors que naissent, tant aux États-Unis qu’en Europe, des groupes comme ONCE, le New Music Ensemble, Musica Elettronica Viva, le Scratch Orchestra, le GERM ou le New Phonic Art. Bien que très actifs dans les années 1960, ces ensembles ont été rarement évoqués dans des ouvrages en langue française. Un telle investigation est d’autant plus nécessaire aujourd’hui que, depuis plus d’une quarantaine d’années, le paysage musical se partage, notamment en France, entre une confiance d’une naïveté souvent désarmante dans les progrès bénéfiques de la technologie et la restauration d’un certain nombre de valeurs remises en question par les courants les plus novateurs du XXe siècle.



lundi 1 avril 2019

audio: Anne de Fornel présente sa biographie de John Cage



audio: Anne de Fornel présente sa biographie de John Cage
Le cri du Patchwork par Clément Lebrun, France Musique, 19 février 2019

Anne de Fornel
John Cage
Fayard
2019

Présentation de l'éditeur
L’ouvrage de référence sur un artiste peu académique, emblème d’une Amérique libre et inventive. John Cage (1912-1992) est l’un des compositeurs les plus connus, mais aussi les plus controversés du XXe siècle. Il a exploré des territoires inconnus en créant un répertoire pour le piano préparé, en utilisant l’électronique de manière novatrice et en introduisant l’impersonnel dans son processus de composition. Son important corpus de pièces indéterminées témoigne d’un refus des hiérarchies du monde musical de son temps. Il a contribué à élargir l’univers sonore, a développé la dimension de la performance et a donné davantage de liberté à l’interprète. Il est l’un des rares compositeurs à avoir créé parallèlement une oeuvre plastique d’une grande importance et avoir produit des installations-expositions où il s’est livré à une forme de tabula rasa. En étroite collaboration avec le chorégraphe Merce Cunningham, il a forgé un rapport radicalement nouveau entre la musique et la danse. Son insatiable curiosité l’a conduit à se tourner vers le bouddhisme zen, qui deviendra le fondement de sa création non intentionnelle. 
Dans cette monographie, Anne de Fornel présente à la fois l’homme et l’oeuvre en éclairant tous les aspects de sa production à partir d’une recherche de première main effectuée dans différents fonds d’archives américains. Des entretiens réalisés avec des personnalités proches, des collaborateurs de longue date et une nouvelle génération d’interprètes apportent aussi le témoignage de l’empreinte qu’a laissée John Cage dans l’art du XXe siècle. 
Anne de Fornel est une musicologue et pianiste franco-américaine. Elle est titulaire d’un doctorat de Musique et Musicologie de l’Université de Paris- Sorbonne (Paris IV), d’un Master de piano du CNSMD de Lyon et d’un Master spécialisé « Médias, Art et Création » de HEC Paris. Elle est l’auteur de nombreux articles et publications sur la musique et les arts plastiques des XXe et XXIe siècles. 


mardi 22 mai 2018

audio: Isabelle Peretz, Apprendre la musique. Nouvelles des neurosciences


audio: Isabelle Peretz, Apprendre la musique. Nouvelles des neurosciences
La Grande table (2ème partie) par Olivia Gesbert, 18.05.2018 




Isabelle Peretz
Apprendre la musique
Nouvelles des neurosciences
Odile Jacob
2018


Présentation de l'éditeur
Comment l’apprentissage de la musique agit-il sur notre cerveau ? Quels effets a-t-il sur la curiosité, l’attention et la mémorisation ? Quel impact sur la lecture ou le raisonnement mathématique ? Faut-il, pour apprendre et faire des progrès, qu’un enfant ait l’oreille musicale ? Et s’il chante faux ? Que penser par ailleurs des adultes qui décident de s’y mettre sur le tard ? Y a-t-il un âge pour apprendre la musique ?
Aujourd’hui, les enseignants et les responsables des systèmes scolaires s’interrogent, et interrogent les experts. Encore tout récemment, la Suisse misait sur une éducation musicale de qualité en l’inscrivant dans sa Constitution. Quels sont les fondements neuroscientifiques de cet intérêt pour l’éducation musicale ?
Fruit de plus de trente ans de recherches neurobiologiques sur la musique en lien avec l’éducation, le livre qui nous dit tout sur la manière dont la musique transforme notre cerveau… pour notre plus grand bien !
Par l’une des plus grandes spécialistes, les neurosciences de la musique à la portée de tous, parents comme enseignants !

Isabelle Peretz est titulaire d’une chaire de recherche en neurocognition de la musique à l’Université de Montréal. Au cours des trois dernières décennies, elle a fait de Montréal la capitale mondiale de l’étude du cerveau musical. Membre de la Société royale du Canada, elle a obtenu de nombreux prix d’excellence pour ses travaux. Elle dirige depuis 2005 le Laboratoire international de recherche sur le cerveau, la musique et le son (BRAMS), qu’elle a également fondé.

samedi 9 septembre 2017

audio: Jean-Philippe Uzan , L'Harmonie secrète de l'Univers




Autour de la question par Caroline Lachowsky, 20 septembre 2017


 
Jean-Philippe Uzan 
L'Harmonie secrète de l'Univers
La ville brûle
2017

Présentation de l'éditeur
Une balade cosmique entre sciences et musique pour découvrir la tradition millénaire qui relie les mathématiques, l’astronomie et la musique, ces disciplines qui n’en formaient qu’une de l’Antiquité à la Renaissance.
Pythagore, Oresme, Kepler, Newton… les architectes de la pensée contemporaine ont tous étudié les mathématiques, l’astronomie et la musique, ce qui nous invite à réfléchir sur le découpage disciplinaire de la connaissance et de son enseignement.
Tout au long de l’histoire de l’humanité, ces disciplines se sont influencées et continuent à le faire aujourd’hui où l’on écoute autant que l’on observe l’Univers à travers l’étude des pulsars, des ondes gravitationnelles, des crépitements quantiques, des vibrations des étoiles… jusqu’au cri de l’Univers primordial !

Jean-Philippe Uzan est physicien théoricien, spécialiste de la théorie du big bang. Il est directeur de recherche au CNRS/Institut d’astrophysique de Paris et directeur adjoint de l’Institut Henri Poincaré. 



vendredi 30 septembre 2016

écouter: Anne Gonon, TOUT OUÏE - La création musicale et sonore en espace public


écouter: TOUT OUÏE - La création musicale et sonore en espace public
13h30, Radio Grenouille, 21 mai 2016

 Anne Gonon
TOUT OUÏE
La création musicale et sonore en espace public
L'Entretemps
2016

Présentation de l'éditeur
Parcours avec casques, installations, spectacles, concerts, séances d’écoute à l’oreille nue… la musique et la création sonore se déploient à l’air libre à travers une palette de plus en plus riche et diversifiée. Les dispositifs et formats conçus par les créateurs sonores pour l’espace public invitent le spectateur-auditeur à des expériences esthétiques hétéroclites. L’ouvrage Tout ouïe accompagne le lecteur dans la découverte de ce véritable phénomène musical et sonore.
Anne Gonon propose une plongée en milieu acoustique qui révèle les mutations de l’ère sonore contemporaine (montée en puissance des technologies, bouleversement de l’écoute de la musique, écologie sonore) et explore un grand nombre de démarches de metteurs en scène, de compositeurs et de plasticiens. Des entretiens avec des artistes — Nicolas Frize, Janet Cardiff et George Bures Miller, pali meursault — témoignent de l’hybridation de leurs pratiques au contact du son.
Les journalistes et critiques Olivier Bertrand, Julie Bordenave, Hélène Doudiès, Gilles Kerdreux, Pascal Mouneyres et Anne-Lou Vicente livrent des récits de spectacles, installations ou marches sonores. Leurs contributions apportent un éclairage sensible et incarné sur cette formidable expérience qu’est l’écoute.
In fine, c’est bien l’écoute qui constitue le fil directeur de Tout ouïe. Ou comment les artistes, en jouant avec le son hors les murs, nous proposent d’ouvrir grand nos oreilles pour être, plus que jamais, vigilants et attentifs aux autres et à l’état du monde.
Auteure, journaliste et critique, Anne Gonon a fait des formes et pratiques artistiques dans l'espace public, et de la relation au public hors les murs, son sujet de prédilection. Après avoir soutenu une thèse sur les spectateurs des arts de la rue en 2007, elle poursuit un parcours d’écriture et de recherche sur la réception et les formes artistiques atypiques hors les murs, les processus de création et les nouvelles modalités d’action culturelle (projets culturels de territoire, projets participatifs, etc.). Elle publie régulièrement des articles universitaires et dans la presse spécialisée (notamment la revue Stradda). Elle est l’auteur de quatre ouvrages, dont IN VIVO, les figures du spectateur des arts de la rue (l’Entretemps, 2011) et Bienvenue chez vous ! Culture O Centre, aménageur culturel du territoire (l’Attribut, 2013). 

vendredi 19 août 2016

écouter: Antoine Pecqueur, Les espaces de la musique. Architecture des salles de concert et des opéras



écouter: Antoine Pecqueur, Les espaces de la musique. Architecture des salles de concert et des opéras
Sous la couverture par Philippe Venturini, 27.02.2016

Antoine Pecqueur 
Les espaces de la musique 
Architecture des salles de concert et des opéras
Parenthèses/Coédition Philharmonie de Paris
Architectures
2016

Présentation de l'éditeur
Pour un architecte, se voir confier la conception et la construction d’une salle de concert représente un prodigieux défi en même temps que l’ultime consécration si la salle est «réussie». Et pour qu’elle le soit, ce même architecte va devoir porter à leur perfection les aspects esthétiques et techniques en veillant à un équilibre permanent entre eux, seul garant de la pleine satisfaction des usagers, particulièrement exigeants dans le domaine de la musique.
Antoine Pecqueur, instrumentiste et journaliste musical, fait l’historique de ces «espaces, de la musique» destinés à accueillir le publié pour des petites formes ou des grands ensembles. Il présente et analyse ensuite trente des salles contemporaines les plus prestigieuses du monde, sélectionnées pour cet ouvrage. Silhouettes inédites, perfection acoustique, fluidité des circulations : la description de chaque réalisation en révèle la folle inventivité et les prouesses techniques.
Une ode à l’architecture d’excellence-dont la dimension humaine apparaît au travers d’entretiens avec les différents acteurs - architectes, acousticiens, scénographes, mais aussi compositeurs, chefs d’orchestre, musiciens, directeurs techniques, responsables de programmation - qui conçoivent et font vivre ces temples de la musique.  
Trente projets d’architecture contemporaine de : / Paul Andreu / Arquitectonica / Ricardo Bofill / Patrick Bouchain / João Luís Carrilho da Graça / Santiago Calatrava / Norman Foster / Frank Gehry / Vittorio Gregotti / Zaha Hadid / Herzog & de Meuron / Coop Himmelb(l)au / Wilhelm Holzbauer / Arata Isozaki / Rem Koolhaas / Henning Larsen / Rafael Moneo / Oscar Niemeyer / Jean Nouvel / Ieoh Ming Pei / Renzo Piano / Christian de Portzamparc / Rudy Ricciotti / Paul Robbrecht et Hilde Daem / Snøhetta
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à Aalborg, Aix-en-Provence, Baden-Baden, Bruges, Copenhague, Dallas, Dijon, Évian, Guangzhou, Hambourg, Kyoto, Los Angeles, Lucerne, Luxembourg, Lyon, Metz, Newcastle‑Gateshead, Oslo, Paris, Parme, Pékin, Poitiers, Porto, Potsdam, Ravello, Rio de Janeiro, Rome, San Sebastian et Valence.

dimanche 31 juillet 2016

écouter: Bruno Giner, présente son ouvrage sur Erik Satie



écouter: Bruno Giner, présente son ouvrage sur Erik Satie
Classic Club par Lionel Esparza, 18 avril 2016


Bruno Giner
Erik Satie
Bleu Nuit
2016

Présentation de l'éditeur
Fils d’un courtier maritime, Erik Satie (1866-1925) étudie un peu le piano et l’harmonie jusqu’à se faire renvoyer du conservatoire à l’âge de vingt ans. Il quitte le monde classique pour une vie de saltimbanque musical en jouant dans divers cabarets de Montmartre. et rencontre notamment Debussy qui lui orchestre en 1896 deux de ses Gymnopédies pour piano. Satie finit par compléter à plus de 40 ans son apprentissage en entrant à la Schola Cantorum où il suit les cours de Vincent d’Indy et Albert Roussel. De nature extravertie, très critique envers ses contemporains, il s’attire les foudres de bon nombre de critiques et musiciens qu’il juge trop sérieux. Ses qualités d’interprète et de compositeur ne sont reconnues qu’après sa mort. Il reste un novateur dans le placement des musiciens aux divers endroits d’une salle (tout étant précisé dans ses partitions). La majeure partie de ses compositions touche la musique pour piano (Trois Gnossiennes, 3 Gymnopédies, Trois Morceaux en forme de Poire) ou la musique orchestrale avec une influence jazz notamment dans ses ballets Parade et Relâche. 
Ce nouveau volume de la collection horizons vous propose de partir à la rencontre d’un maître de la musique de la première partie du XXème siècle dans cette étude inédite illustrée et complétée de nombreuses annexes. 
Outre ses activités compositionnelles et pédagogiques, Bruno Giner a notamment signé plusieurs livres sur la musique sous le régime nazi : Weimar 1933 : la musique aussi brûle en exil (Le temps des cerises), De Weimar à Térézine : 1933-1945 L'épuration musicale (Editions Van de Velde) et Survivre et mourir en musique dans les camps nazis (Editions Berg International). Pour la collection horizons, il a co-signé l’ouvrage sur la Entartete Musik..



lundi 16 mars 2015

écouter: Makis Solomos, De la musique au son: L'émergence du son dans la musique des XXe-XXIe siècles


écouter: Makis Solomos, à propos de son livre De la musique au son:  L'émergence du son dans la musique des XXe-XXIe siècles
Entretien avec Omer Corlaix
première partie
deuxième partie
troisième partie


Makis Solomos
De la musique au son  
L'émergence du son dans la musique des XXe-XXIe siècles
P.U.Rennes
2013
Table des matières
Présentation de l'éditeur
De DEBUSSY à la musique contemporaine de ce début de xxie siècle, du rock à l’electronica , des objets sonores de la première musique concrète à l’électroacoustique actuelle, du Poème électronique aux réalisations interartistiques d’aujourd’hui, le son est devenu l’un des enjeux majeurs de la musique. Tout s’est passé comme si la musique avait amorcé un changement de paradigme : nous sommes en train de passer d’une civilisation musicale centrée sur le ton à une civilisation du son. Et l’on pourrait parier que cette mutation est aussi fondatrice que la révolution qui, il y a quatre siècles, fit naître la tonalité : eu égard à la musique la plus avancée du xx e siècle, on s’aperçoit que le qualifi catif d’« atonale » ne correspond qu’à son potentiel de destruction du passé, le recentrement sur le son en constituant la face constructive. 
Relire l’histoire de la musique des xx e -xxi e siècles signifie donc en partie lire l’histoire mouvementée de l’ émergence du son . Cette histoire est plurielle, car elle est composée de six mouvements parallèles : du timbre qui devient catégorie centrale de l’écriture musicale ; du bruit et de l’exploration de son potentiel musical ; de l’ écoute dont la prise de conscience ouvre au son dans sa généralité ; de l’ immersion de plus en plus poussée dans le son ; de la substitution de la composition du son à la composition avec des sons ; de l’ espace qui est progressivement pensé comme composable. C’est en se croisant que ces histoires finissent par provoquer, de l’intérieur même de la musique, le changement de paradigme qu’évoque ce livre et qui mène de la musique au son .
Professeur de musicologie à l’université Paris 8 et membre honoraire de l’Institut universitaire de France, Makis Solomos a publié de nombreux travaux sur la création musicale actuelle. Ses recherches portent sur l’émergence du son, la notion d’espace musical, les nouvelles techniques et technologies musicales, l’écologie sonore… Il est spécialiste de la musique de Xenakis.

samedi 14 mars 2015

écouter: Francis Wolff, Pourquoi la musique ?


écouter: Francis Wolff, Pourquoi la musique ?
Les Nouveaux chemins de la connaissance par Adèle Van Reeth, 13.03.2015
Francis Wolff
Pourquoi la musique ?
Fayard
2015

Présentation de l'éditeur
« Lorsque j’étais enfant, j’apprenais la ‟théorie musicale” dans de petits manuels (je ne sais pas s’ils existent encore) partagés en deux : le livret vert des questions et celui rouge des réponses. La première leçon de la première année était la suivante : ‟Qu’est-ce que la musique ?” ; et sur le livret rouge, il était écrit : ‟La musique est l’art des sons”. Quel ne fut pas mon éblouissement, à l’âge de huit ans, en découvrant cette définition. Je ne sais pas si ce fut mon entrée dans la ‟théorie musicale”, mais je crois que ce fut mon entrée en philosophie. Il y avait dans cet énoncé tout le pouvoir magique des formules définitionnelles. Elle concentrait en quelques mots simples le mystère des choses impalpables. Je n’ai guère changé d’opinion : la musique est bien l’art des sons. »
De cette définition banale, « la musique est l’art des sons », ce livre tire toutes les conséquences jusqu’aux plus éloignées. Chemin faisant, il répond aux questions que nous nous posons sur la musique et sur les arts. Pourquoi, partout où il y a de l’humanité, y a-t-il de la musique ? Pourquoi la musique nous fait-elle danser ? Et pourquoi nous émeut-elle parfois ? Qu’exprime la musique pure ? Représente-t-elle quelque chose ? Et qu’est-ce que la beauté ? Est-elle dans les choses ou en nous ? Pourquoi tous les êtres humains font-ils des images, des récits, des musiques ? Que nous disent du monde réel ces mondes imaginaires ?
Les questions les plus simples sont souvent les plus profondes. Aucun livre sur la musique ou sur les arts ne les pose avec cette tranquillité et cette originalité.
Francis Wolff est philosophe, professeur à l’École normale supérieure (Paris). Il est notamment l’auteur de Socrate (PUF, 2000), Dire le monde (PUF, 2004), Philosophie de la corrida (Fayard, 2007) et Notre humanité (Fayard, 2010). Il a consacré une part importante de son enseignement à la musique.
88 extraits de musiques commentées dans le livre sont proposés à l’écoute sur le site Internet www.pourquoilamusique.fr

samedi 28 février 2015

écouter: Pascale Cassagnau, Une idée du Nord, Des excursions dans la création sonore contemporaine



écouter: Pascale Cassagnau, Une idée du Nord, Des excursions dans la création sonore contemporaine
L'Atelier du son par Thomas Baumgartner, 16.01.2015
Pascale Cassagnau
Une idée du Nord
Des excursions dans la création sonore contemporaine
Ensba
2015

Présentation de l'éditeur
Appréhender la création contemporaine depuis l’usage du son, tel est l’objet de recherche de Pascale Cassagnau qui effectue la transcription des conversations de la musique avec les oeuvres plastiques, avec la littérature et le cinéma par interludes successifs. 
Sous forme de courts chapitres qui suivent une trame narrative singulière, on retrouve l’évolution de l’outil-son depuis les descriptions de Jules Verne, la révolution sonore de John Cage et les transgressions sémantiques et poétiques de Samuel Beckett et de Bernard Heidsieck, jusqu’aux expérimentations performatives d’Eszter Salamon ou de L’Encyclopédie de la parole. 
L’épopée des Ateliers de création radiophonique de France Culture, les créations originales de Claude Ollier et de Georges Perec, sont racontées sous le prisme de leur apport historique, tandis que les applications ultra contemporaines d’une myriade d’artistes, penseurs, groupes et mouvances esthétiques y sont attentivement identifiées et décrites. 
Auteur d’Un pays supplémentaire, qui traite de la place de la création contemporaine dans les médias, de l’essai Intempestif, indépendant, fragile sur Marguerite Duras, ainsi que de nombreux textes sur les nouvelles pratiques cinématographiques, Pascale Cassagnau est critique d’art et responsable des fonds audiovisuels et nouveaux médias au Centre national des arts plastiques. 

samedi 25 octobre 2014

écouter: Jazz et guitare



écouter:
Jazz et guitare, volume 1
On ne badine pas avec le jazz
Par Jérôme Badini, Patrice Bertin
19.10.2014

Jazz et guitare, volume 2 
On ne badine pas avec le jazz
Par Jérôme Badini, Patrice Bertin
26.10.2014



lundi 18 août 2014

écouter: Kepler et la musique des sphères, avec Guy Boistel et Stéphane Le Gars du Kepler Music Project, et Patrick Lang



écouter: Kepler et la musique des sphères, avec Guy Boistel et Stéphane Le Gars du Kepler Music Project, et Patrick Lang Découvrez le Kepler Music Project, une création de Guy Boistel et Stéphane Le Gars, professeurs de physiques, passionnés d'astronomie, musiciens de jazz et invités du Labo des savoirs.
- Patrick Lang, philosophe et musicologue à l'Université de Nantes complète ce duo et nous initie à l'histoire de la musique des sphères.
Le Labo des savoirs, Radio Prun', 5 FEV 2013

Le KEPLER MUSIC PROJECT est un spectacle scientifique, adaptable à tous publics, conçu autour de l'oeuvre de l'astronome du XVIIe siècle, Johannes KEPLER (1571-1630) : "L'Harmonie du Monde" (1619). Dans cet ouvrage, KEPLER achève son secret du Monde en établissant le mouvement elliptique et héliocentrique des planètes. Sa méthode de recherche emploi l'harmonie musicale de Pythagore.

dimanche 10 août 2014

écouter: les rencontres entre des Improvisateurs (Charlie Parker, Charles Mingus, etc.) et un Compositeur (Edgard Varèse)



Charlie Parker et Edgard Varèse (1954-1955):


extrait de Charlie Parker interviewed by Paul Desmond (Boston radio, early 1954)
P.D. - No, I know many people are watching you at the moment with the greatest of interest to see what you're going to come up with next in the next few years, myself among the front row of them. Well what have you got in mind?
C.P.- well, seriously speaking I mean I'm going to try to go to Europe to study. I had the pleasure to meet one Edgar Varese in New York City; he's a classical composer from Europe, he's a Frenchman, very nice fellow and he wants to teach me; in fact he wants to write for me because he thinks I'm more for, more or less on a serious basis you know, and if he takes me over, I mean after he's finished with me I might have the chance to go to the Academy of Music out in Paris itself and study, you know. My prime interest still is learning to play music, you know.
J.M. - would you study playing or composition?
C.P. - I would study both. I never want to lose my horn.
P.D - no, you never should.
C.P. - I don't want to do that. That wouldn't work.

Edgard Varèse "With jazz, the ones who could have been good become very conventional. I heard the man who was playing—what was his name? He died. He was a god of music in that field. He played a kind of saxophone—Charlie Parker. At that time he lived in New York. He followed me on the street, and he said he wanted to be with us. The day I left I said, "We'll get together. I'll take you for my pupil." Then I had to catch my boat. It's when I went to Europe for Déserts. And Charlie Parker died in '55, in March. Oh, he was so nice, and so modest, and he had such a tone. You could not know if it was an angelic double bass, a saxophone, or a bass clarinet. Then one day I was in that big hall there on 14th Street, the Cooper Union. Somebody said, "I want to meet you." She was the widow of Charlie Parker. She said, "He was always talking about you, so I know all about you." And that man was a great star. He wanted to study music and thought I had something for him." - (From Perlis and Cleve's Composers' Voices from Ives to Ellington
“He stopped by my place a number of times. He was like a child, with the shrewdness of a child. He possessed a tremendous enthusiasm. He’d come in and exclaim, ‘take me in as you would a baby and teach me music. I only write one voice. I want to have structure. I want to write orchestral scores.’ I promised myself I would try to find some time to show him some of the things he wanted to know.”

Edgard Varèse et les sessions de 1957
En 1957, Varèse a dirigé des jam sessions avec Art Farmer (tp), Teo Macero (t sax - futur producteur de Miles Davis), Hal McKusik (cl, a sax), Hall Overton (p), Frank Rehak (tb), Ed Shaughnessy (dms), Eddie Bert (tb), Don Butterfield (tuba) Bill Crow et Charles Mingus (cb) , Teddy Charles (vib)
Entre Mars et août 1957, these Sunday jam-sessions were followed by arranger George Handy, journalist Robert Reisner, composers James Tenney, and John Cage, choreographer Merce Cunningham. 

L'original est à la Fondation Paul Sacher, on peut entendre les enregistrements avec un meilleur son dans le film de Mark Kidel, Edgard Varèse, Les Films d'Ici, 1995


une partie d'un visuel que Varèse avait donné à Teo Macero pour les sessions

On peut entendre une influence des travaux d'Edgard Varèse avec des Improvisateurs de Jazz dans le Poème électronique, for tape (1957-1958)

An excerpt from Varèse's score for Poème électronique